HARUKO MAEDA & Anna Maria

curated by Angela Stief

Eröffnung: 18. Oktober 2018, 18-21 Uhr

bis 17. November 2018

Die japanische Künstlerin Haruko Maeda (geb. 1983 in Tokio) produziert in aufwendiger Präzisionsarbeit, die an altmeisterliche Techniken denken lässt, Kunstwerke allererster Güte: Gemälde, Zeichnungen und Skulpturen. Sie variiert das Genre des Herrscherporträts und malt mit großer Vorliebe Bilder von Frauen, die sie Knochenporträts nennt. Für Maeda kennzeichnen Knochen jedoch nicht eine Todessehnsucht, sondern symbolisieren die Ewigkeit und eine geistige Stärke, die das Fleisch überdauert. Mit diesen Gemälden setzt sie sich außerdem kritisch mit der weiblichen Diskriminierung in patriarchalen Gesellschaften auseinander und will ausgewählten, von der Geschichte sträflich behandelten Personen eine symbolische Macht verleihen. „Ich will in meiner Arbeit starke Frauen zeigen,“ sagt die Künstlerin und erzählt vom katholischen Reliquienkult, der sie fasziniert und den sie sich bis zu einem gewissen Grade aneignete, um „die Personen, die ich male, zu Stars zu küren“. So stellt sie etwa Maria Anna von Österreich (1738–1789), die gering geschätzte Tochter von Kaiserin Maria Theresia, in ornamentaler Pracht dar. Den Körper der gebrechlichen Prinzessin hüllt die Künstlerin in ein edles, ausladendes mit vegetativen Motiven und Mineralien verziertes Brokatgewand. Aus dem Kleid von Maria Anna, die während ihres Lebens intensive naturwissenschaftliche Studien und künstlerische Interessen verfolgte und deren Mineraliensammlung im Naturhistorischen Museum in Wien aufbewahrt ist, ragen ein Totenkopf, der mit einem Perlendiadem geschmückt ist und knöcherne Gliedmaßen, die in alle Bildrichtungen zerbersten – Rippen scheinen durch die transparente Rüschenbluse. Maria Anna sagte einmal: „Gott hat mir die Gnade gegeben, die Welt und ihre Eitelkeit zu erkennen.“ Die japanische Künstlerin will jedoch nicht nur wie im barocken Vanitas-Kult glauben machen, dass alles eitel ist, sondern versteht die Vergänglichkeit als Teil eines unendlichen, lebenssteigernden Prozesses der Transformation.

Die Darstellungen von Maeda, die in einem statischen Medium die Zeit suspendieren, basieren häufig auf  historischen Vorlagen, die sie in Museen studiert oder im Internet und in Büchern recherchiert hat. Die Künstlerin, die mit 20 Jahren Japan verlassen hat, um in Europa Kunst zu studieren, und 2012 an der Kunstuniversität Linz bei Ursula Hübner das Malereistudium absolvierte, verwendet neuerdings auch kleine ausgestopfte Tiere wie Mäuse und Vögel für schön-makabre Skulpturen: „Gifts“ (2017). In ihrem Oeuvre, das häufig die antike Angst vor der Leere, den horror vacui, in Szene setzt, lässt Maeda die Gegensätze von Eros und Thanatos, Schönheit und Schrecken virtuos kulminieren.

„Renaissance 4“ (2018) ist ein kleinformatiges Gemälde mit aufwendigem Holzrahmen, den die Künstlerin selbst geschnitzt hat und mit einem Relief aus Blättern, Insekten, Kot und toten Tieren versehen hat. Im Zentrum dieser Arbeit steht ein Kothaufen, aus dem Blüten sprießen: der Keim des Todes, der Leben in sich birgt. Die Darstellung von Fäkalien als Endprodukt einer biologischen Verwertungskette rüttelt an den Grundfesten kulturell kodifizierter Verhaltensweisen und gesellschaftlicher Tabuisierungen. Im Sinne des französischen Ethnologen Arnold van Gennep (1873–1957) könnte man, wenn man die Arbeiten von Maeda betrachtet, auch an die „Rites de passage“ denken, den ewigen Kreislauf von Werden und Sterben, die Überwindung subjektiver Grenzen und die individuelle Einbettung in ein gesellschaftliches Gefüge.

Die im Werk der Künstlerin permanent präsente Todesmetaphorik richtet sich gegen allgegenwärtige Verdrängungsmechanismen und kultiviert asiatische Glaubensvorstellungen, die Leben und Tod als Teil eines größeren Ganzen betrachten, ein bewusstes Leben im Hier und Jetzt, sowie die animistische Beseeltheit aller Dinge. Somit verbindet Maeda Elemente aus westlichen und östlichen Religionen zu einer synkretistischen Apotheose, in der sich die christliche Jenseitsvorstellung und die Diesseitsbezogenheit des Shintoismus vermischt.


The Japanese artist Haruko Maeda (born 1983 in Tokyo) produces pieces of art of first-rate quality –  paintings, drawings and sculptures –  using elaborate precision work which is reminiscent of old master techniques. She modifies the genre of the ruler portrait and paints with great passion portraits of women which she calls 'bone portraits'. For Maeda, however, bones are not an indicator of a death wish, but instead symbolise eternity and a spiritual strength which outlives the flesh. In addition, with these paintings she critically confronts the discrimination of women in a patriarchal society, and wishes to lend symbolic power to certain selected individuals who have been historically treated reprehensibly. "In my work, I want to depict strong women," says the artist, and refers to the Catholic cult of relics which fascinates her and which to a certain extent she has appropriated in order to "elevate the people whom I paint, into stars." Thus, for example, she represents Maria Anna of Austria (1738–1789), the little valued daughter of Maria Theresia, in ornamental splendour. The artist wraps the body of the fragile princess in a noble, sweeping brocade mantle decorated with vegetal motifs and minerals. During her lifetime, Maria Anna pursued intensive scientific studies and artistic interests, and her collection of minerals is preserved in the Natural History Museum in Vienna. From her dress protrude a skull, ornamented with a diadem of pearls, and bony limbs which burst out into all directions in the image – ribs are visible beneath the transparent ruffled blouse. Maria Anna once said, "God has given me the blessing to recognise the world and its vanity." The Japanese artist, however, does not want to make us believe, as in the Baroque cult of vanitas, that all is vanity, but instead understands transience as part of an endless, life-enhancing process of transformation.

The images by Maeda, which suspend time in a static medium, are frequently based on historical models which she has studied in museums, or has researched in the internet and in books. The artist, who left Japan at the age of 20 to study art in Europe and who completed her painting studies under Ursula Hübner at the University of Art and Design Linz in 2012, also lately employs small stuffed animals such as mice and birds for beautiful-macabre sculptures: "Gifts" (2017). In her oeuvre, which often draws attention to the ancient fear of the void, the horror vacui, Maeda allows the contrasts of Eros and Thanatos, Beauty and Horror, to culminate in a virtuoso manner.

"Renaissance 4" (2018) is a small-format painting with an elaborate wooden frame which the artist carved herself and decorated with a relief of leaves, insects, dung, and dead animals. In the centre of the work is a pile of dung from which flowers spring: the seed or nucleus of death, which contains in itself life. The representation of excrement as an end-product of a biological chain of processes shakes the foundations of culturally codified behaviours and societal taboos. In accordance with the French ethnologist Arnold van Gennep (1873–1957), when one observes Maeda's works, one could think of the "rites de passage", the permanent cycle of becoming and dying, the overcoming of subjective boundaries and the individual embedding in a societal framework.

The metaphor of death which is permanently present in the artist's work is directed against pervasive mechanisms of supression. It cultivates Asiatic beliefs which view life and death as part of a larger whole, a conscious life in the here and now, as well as recognising the animistic soulfulness of all things. In this manner, Maeda combines elements of western and eastern religions into a syncretistic apotheosis, in which the Christian conception of the afterlife and the this-world referentiality of Shintoism are intermingled.